SEMINARIOS cuatrimestrales
(modalidad online y presencial)
Entrenamiento físico-expresivo y trabajo sobre autores y territorios
El seminario tiene como objetivo pensar y proponer al cuerpo como eje y sostén dramático, a partir de la indagación en sus posibilidades de funcionamiento y disponibilidad.
El entrenamiento consiste en mover el cuerpo a partir de algunas preguntas simples: ¿Cuáles son las herramientas que posee el cuerpo? ¿Cómo pensar el cuerpo desde su hacer? ¿Qué pienso cuando me muevo? ¿En qué consiste la eficacia del cuerpo? ¿De qué manera determina el contexto al cuerpo? Estas preguntas nos llevan a una teoría y práctica del cuerpo. Pensar desde el cuerpo y para el cuerpo. Por lo tanto, cuando pensamos en el cuerpo, pensamos indefectiblemente en el ejercicio pleno del oficio del teatro y, cuando pensamos en teatro, necesitamos atender a los contextos. Por ello la búsqueda de esta teoría y práctica corporal desde la indagación del universo de un autor teatral funciona como marco de referencia para determinar la definición de un lenguaje expresivo. La profundización en su poética y en sus reglas de juego, hacen de la práctica un ejercicio pleno de las capacidades expresivas.
______Entrenamiento físico-expresivo a partir de la Máscara Neutra
El seminario apunta al trabajo expresivo en distintas líneas.A partir de los conceptos de la Máscara Neutra se trabajarán herramientas de identificación con las dinámicas que nos rodean para ir hacia la expresividad, alejándonos de las formas preconcebidas. Durante el seminario seguiremos el desarrollo del lenguaje del Estudio paralelamente con un texto teatral.
El seminario tiene como objetivo pensar el cuerpo como eje y sostén dramático, su funcionamiento y disponibilidad.
A través de algunas preguntas simples como: ¿cuáles son las herramientas que posee el cuerpo?, ¿cómo pensar el cuerpo desde su hacer?, ¿qué pienso cuando me muevo?, ¿en qué consiste la eficacia del cuerpo?, ¿de qué manera determina el contexto al cuerpo? Etc. Estas preguntas nos llevan a una teoría y práctica del cuerpo. Pensar desde el cuerpo y para el cuerpo. Por lo tanto cuando pensamos el cuerpo, pensamos indefectiblemente en el ejercicio pleno del oficio del teatro.
______Dramaturgia sobre el cuerpo.
El seminario está destinado a comprender y dilucidar la dramaturgia que de por sí propone el cuerpo, y de cómo dicha dramaturgia física influencia la dramaturgia literaria; y de esta manera poder pensar la trama del cuerpo.
Si el teatro da su inicio en el ritual —los rituales son una necesidad de las sociedades y los individuos— el cuerpo es la memoria de ese ritual, comprender sus reglas es comprender cómo funciona la dramaturgia, ya que el núcleo del teatro y la trama es, en definitiva, la acción.
______Comedia física.
El cuerpo de la comedia es un cuerpo destinado a jugar lo cómico.
Lo cómico, es aquello irrisorio por lo cual se suscita la risa; la comedia está compuesta por reglas antiquísimas que funcionan cada vez que atendemos a la comedia humana. El ritmo, los contrastes y las desmesura de las reacciones hacen al cuerpo de la comedia. La comedia posee reglas por lo que hay lo cómico.
______El cuerpo y los textos clásicos.
¿A qué nos referimos cuando decimos textos clásicos? Nos referimos a aquellos textos que han podido trascender su época y su tiempo. El contexto es determinante para el funcionamiento del cuerpo, un cuerpo que atiende a su entorno ejecuta la acción de manera adecuada.
El seminario consiste entonces en atender y comprender la época de cada autor/a y ver cuáles de estos elementos se mantienen vigentes en nuestra época y por sobre todo en el cuerpo del presente.
Trabajaremos: Sófocles, Shakespeare, Chejov, Lorca y Beckett.
______El cuerpo y la construcción del personaje.
La construcción de un personaje tiene reglas que son simples y concretas, las cuales nos permiten adentrarnos en el universo singular de un personaje. El contenido del personaje no es un contenido real y particular, sino un posible y universal. El personaje es una probabilidad y su base se encuentra en la verosimilitud. Cada personaje es un cuerpo particular que nos permite volver a la multiplicidad del teatro. El componer un personaje es el ejercicio de la otredad, es el ejercicio de lo distinto, es la base del arte del teatro, el personaje pensado como una obra de arte en sí mismo.
SEMINARIOS cuatrimestrales
(regulares, presenciales)
Iniciación teatral
Destinado a quienes comienzan la actividad teatral, este trabajo hace hincapié en el desarrollo del juego como acercamiento a la escena. El análisis y práctica del mismo nos sirve como vehículo de comprensión del hecho escénico.
El principal objetivo de este seminario es brindar y entrenar las herramientas básicas que llevan hacia la actuación.
Improvisación, metodología de la construcción
A partir de puntos básicos de la técnica de improvisación se desarrolla un entrenamiento que proporciona dinámicas de valorización de acontecimientos, brindando infinitas posibilidades de construcción. Con consignas de características simples, el/la improvisador/a se revela como instrumento de la producción teatral, elaborando situaciones basadas en el aquí y ahora. Con el objeto de generar la disposición ante la creación y desarrollar el cuerpo lúdico, se estimula la capacidad asociativa de cada intérprete buscando el reconocimiento del germen creativo.
Máscara neutra
La máscara neutra es una máscara pedagógica que acrecienta la presencia del actor/actriz en el espacio que lo/la circunda y lo/la sitúa en un estado de disponibilidad.
Bajo la máscara neutra el rostro del actor/actriz desaparece y el cuerpo se percibe intensamente.
Se trabaja el movimiento a partir de lo neutro, del equilibrio, de la calma, así se le proporciona al actor/actriz un conocimiento pleno de sus posibilidades expresivas.
Se busca reconocer, ante la mutación, las resistencias instaladas, y afinar meticulosamente el instrumento, despojándolo/la de sus formas preconcebidas.
Clown, clown trágico y montaje
El clown como territorio teatral, se adentra en lo profundo de cada artista, en su forma de ver el mundo, en la singularidad del ser.
El comienzo se da indagando el territorio clownesco de cada intérprete, las características de su juego, para que desde este autocononcimiento comience el desarrollo escéncico teatral. El segundo paso es la relación del clown con el espacio trágico, en esta etapa el clown se acerca a Beckett, profundizando en su existencia, reencontrando el juego en donde todo se ha perdido. La última etapa pertence al montaje, donde los clowns llevan a cabo sus escenas tratando de plasmar toda la experiencia anterior en trabajos que concreticen su visión teatral.
Bufón, misterio y montaje
El viaje del grotesco comienza con la búsquedad de un cuerpo deforme, un ser marginado, y desde esa condición empieza su discurso, su juego, su provocación constante. Una vez delineado este cuerpo y su discurso, aparece la segunda etapa destinada al misterio, a la oscuridad, donde los bufones viven en familias caoticamente organizadas, realizan sus rituales y se acercan a textos de autores que los identifican. Por último entramos en la etapa de montaje donde cada intérprete planteará su universo bufonesco, y de esta manera se emprenderá un nuevo viaje.
El actor y la máscara
Bajo la propuesta de comprender el proceso de creación de un personaje en sus diferentes estilos o dosis, se utilizan las máscaras como herramientas pedagógicas.
Se comienza trabajando con máscaras enteras, que cubren todo el rostro y dejan el cuerpo al descubierto. El/la actor/actriz comprende en esta etapa los desequilibrios o conflictos que llevan al desarrollo de la acción.
Luego se trabaja con medias máscaras, con éstas se incorpora la palabra y el juego se coloca en primer plano.
Para finalizar, se experimenta con la máscara de cuerpo entero, también denominadas bufón. La deformación física modifica el pensamiento y el discurso se transforma en un componente fundamental.
Espacio training I, II, III y IV
Entrenamiento que hace hincapié en la profundización de la actuación, postulando al actor/actriz como vehículo de la escena, ejercitando su disponibilidad y acumulando diferentes hipótesis de construcción de la escena.
Para ello se investigan los estilos teatrales puros que sintetizan el arte del actor/actriz, y enseñan de dónde venimos.
El trabajo está dividido en cuatro etapas:
Espacio training I: Molière, Melodrama y Chejov
Espacio training II: Juego y dinámica de Clown, Tragedia y Shakespeare
Espacio training III: Cuerpo en silencio, Clown trágico y Beckett
Espacio training IV: Laboratorio de actuación y Montaje
En estos seminarios se atraviesan los diferentes territorios teatrales y montajes incorporando sus herramientas esenciales para desarrollar hipótesis propias de actuación.
SEMINARIOS intensivos
Commedia dell'arte
La Commedia dell'arte es un territorio puro que muestra la naturaleza humana, los personajes están constantemente en un estado de urgencia desarrollando un teatro vivo de características espontáneas alejadas de todo cliché.
La posibilidad de transitar los arquetipos de la comedia y sus temas, los diferentes personajes y situaciones del género, lleva inmediatamente a reflexionar sobre el arte del actor, encontrando la profundidad y actualidad de la comedia.
Bufón
Los bufones en sus rituales no invocan al cielo, escupen sobre él y de esta manera habitan en las profundidades de una locura organizada.
Se comienza desde el cuerpo, deformándolo generando un segundo cuerpo que nos permite introducirnos en la poética bufonesca y encontrar el juego interpretativo del bufón.
En este seminario se busca elevar el nivel lúdico del actor/actriz a partir de un discurso opinado.
Tragedia
La Tragedia es el territorio puro por excelencia, al sumergirnos en sus formas y rituales nos sumergimos en el teatro y sus misterios.
El teatro trágico nos enseña a entender el cuerpo en un gesto, el cuerpo como sostén del texto.
Utilizando los textos clásicos como soporte poético, el actor/la actriz se entrena en el abordaje de las diferentes intensidades.
El actor/la actriz encuentra la síntesis del movimiento escénico, para comprender y desarrollar los estados catárticos.
Melodrama
El Melodrama llega cuando todo se ha dicho o todo está por decirse.
El trabajo consiste en comprender estas emociones y llevarlas al espacio para conmover al espectador, de este modo el actor/la actriz entrena su instrumento como eje del drama, comprende sus posibilidades lúdicas ante las emociones.
El Melodrama es el teatro de las emociones y su lírica.
Máscara balinesa
La máscara balinesa es la herramienta para comprender un lenguaje teatral universal, expresando de manera única la opinión del actor/actriz.
Trabajando en el uso técnico de las mismas y en los diferentes estados que el intérprete atraviesa utilizándolas, la actuación transita y entrena un presente constante, donde confluyen todas las técnicas de actuación.
Máscara neutra
La máscara neutra es una máscara pedagógica que acrecienta la presencia del actor/actriz en el espacio que lo/la circunda y lo/la sitúa en un estado de disponibilidad.
Bajo la máscara neutra el rostro del actor/actriz desaparece y el cuerpo se percibe intensamente.
Se trabaja el movimiento a partir de lo neutro, del equilibrio, de la calma, así se proporciona al actor/actriz un conocimiento pleno de sus posibilidades expresivas.
La búsqueda consiste en reconocer, ante la mutación, las resistencias instaladas, y afinar meticulosamente el instrumento, despojándolo de sus formas preconcebidas.
Juego y dinámica de Clown
Es el entrenamiento anterior a la conformación del clown teatral.
La búsqueda de lo irrisorio, la disponibilidad y vulnerabilidad se transforman en el eje del seminario, de esta manera el intérprete aprende y comprende los conceptos básicos de la técnica clownesca que luego podrá trasponer a sus creaciones o al abordaje de textos clásicos.
El juego y el estado del clown están en el comienzo y final de toda creación.
